Fe de Erratas

Sé que en su día dije que la serie Spartacus, emitida por cuatro los miércoles, era bastante mala y más bien una copia de 300 y Gladiator. Pues bien, en vez de borrar aquel post y hacer como si no hubiese pasado nada, he decidido asumir mi culpa y admitir que la serie no era tan mala como creía.

A decir verdad me mantengo en mis trece en que los efectos especiales no van muy allá y que ese estilo viene siendo una copia de las películas ya mencionadas. Pero, en lo que al argumento se refiere, la maldita serie ha ido adquiriendo tal grado de interés, que me tiene encganchado por completo.
Así pues, que nadie haga como yo. Os recomiendo que le déis el beneficio de la duda. Como digo, los efectos no son tan buenos como los de una película, pero tal vez yo fui demasiado exigente pidiéndole algo así a una serie de televisión, cuyo presupuesto es mucho menor que el de una superproducción de cine.

Lo dicho, mis disculpas.

¿Podría ser Fincher el nuevo faraón?

Según ha informado la revista Fotogramas, David Fincher podría ser el encargado de dirigir una nueva versión de Cleopatra. El film, basado en la novela de Stacy Schiff Cleopatra: A Life, e interpretado por Angelina Jolie, pretende ser una de las superproducciones de la década.

Sony Pictures ya anduvo detrás de James Cameron para dirigir el proyecto. Según la distribuidora, Cameron era el idóneo para llevar a cabo el rodaje en 3D. Sin embargo, la idea se desechó porque Cameron se encuentra inmerso por completo en las secuelas de Avatar.
Por otro lado se pensó en Paul Greengrass (United 93), pero éste también tuvo que declinar la oferta porque ahora mismo solo contempla el proyecto ‘Memphis’, con guion propio en torno al asesinato de Martin Luther King.

Ya que Sony Pictures fue la encargada de crear La Red Social, no dudaron en llamar a Fincher para ofrecerle el trabajo. El problema es que el director de Seven y El club de la lucha también tiene otros proyectos encima de su mesa. Desde el más inmediato, The Girl with the Dragon Tattoo; el episodio piloto de House of Cards, que protagonizará Kevin Spacey; a otros con vistas al futuro como es 20.000 Leagues Under the Sea: Captain Nemo que firmó con Disney; además del proyecto conjunto Heavy Metal.

Por lo tanto, difícil situación para la distribuidora, que tendrá que decidir si espera o no a que Fincher haga un hueco en su agenda para llevar a cabo el proyecto, o si por el contrario, siguen buscando nuevos nombres. Lo que sí es cierto es que teniendo a Angelina Jolie apalabrada, dudo mucho que alarguen mucho el inicio del rodaje. En cualquier caso, lo que es seguro es que en un par de años podremos disfrutar de una nueva superproducción que, esperemos, esté a la altura de de la Cleopatra de Joseph L. Mankiewitz (1963), aquella gran película que en su día interpretó Elizabeth Taylor.

Anuncios: un mundo a parte

Hoy me apetece cambiar un poco y hablar de anuncios porque hay algunos que verdaderamente son obras maestras. En mi opinión, la mejor película del mundo debe tener el mismo reconocimiento que el mejor anuncio. Detrás de cada anuncio hay grandes mentes, desde la persona que tiene la idea, la que lo crea y le da forma y la que lo vende y distribuye.

No importa tanto si el anuncio viene de una empresa pequeña, de una multinacional, de un particular o de una organización. Es creatividad pura y dura. Algunos anuncios serán mejores que otros, pero yo lo veo como otro modo de arte.

Hace un par de días vi en el blog de un amigo (publicista) un vídeo que me encantó y dejó completamente sorprendida. Hablo de un cortometraje animado francés de 16 minutos y que se llama “Logorama”. Esta dirigido por François Alaux, Hervé de Crecy y Ludovic Houplain y producido por Autor de Minuit. Lo curioso de este corto es que representa varias situaciones en la ciudad de Los Ángeles pero todo recreado con más de 2.500 logos y mascotas de múltiples compañías. Este corto ganó el Premio Kodak en el Festival de Cannes del 2009 y el Óscar a mejor cortometraje animado en 2009. 

Muchos anuncios cuentan con presupuestos escalofriantes para la producción, post-producción, gastos de contracción de actores… etc. Hay algunos que realmente se convierten en iconos como lo fue el caso del espectacular anuncio de Chanel nº5 de Baz Luhrmann, en el que se cuenta una preciosa historia de amor interpretada por Nicole Kidman y (el guapísimo) Rodrigo Santoro. Este spot, titulado "Cerca de casa", creado por el director de Mouling Rouge recuerda mucho a estar película (quizá por eso me guste tanto). En 2009 volvió a hacer lo mismo otra vez pero con Jean Pierre Jeunet, director de Amélie, y su protagonista tanto en la película como en el anuncio, Audrey Tautou. 

Otras tantos pasan de ser meros spots publicitarios a contar, ya no solo una historia, sino a mandar realmente un mensaje de concienciación. Podría hacer una larguísima lista sobre los mejores anuncios de la historia, claro siempre bajo mi punto de vista. Aquí os voy a dejar algunos de ellos:

Los anuncios de Ikea:

No es más rico el que más tiene, si no el que menos necesita.

Esto no se toca, quita, con esto no se juega:  

Coca-cola: Estas aquí para ser feliz

‘Children see, children do’ de la organización Child Friendly:

Odyssey de Levis Strauss

Y uno de mis preferidos, el último de Campofrío: Una celebración de los 4 sentidos

Masters of Horror: Para morirse de miedo

Si digo que en una misma serie han trabajado más de una veintena de extraordinarios directores de películas de terror como John Carpenter,  Rober Rodríguez, Tom Holland, Stuart Gordon, Guillermo del Toro, Joe Dante, Tobe Hopper o Eli Roth, ¿alguien me creería? Pues debería, porque la serie ‘Masters of Horror’ ha reunido a todos ellos para la  dirección asociada de sus capítulos.

‘Masters of Horror’ es una serie de televisión creada en 2005 por Mick Garris, muy conocido por las adaptaciones al cine de las novelas de Stephen King, para la cadena estadounidense Showtime. Semana tras semana, hasta febrero de 2007, la cadena emitía un episodio creado por el propio Garris o por alguno de los mejores directores de terror de todos los tiempos.

Soy una gran aficionada del género de terror y debo decir que si tanto me gusta este Tv show es porque parece que estás viendo una mini-película. Cada historia es independiente que nada tiene que ver con la anterior ni con la siguiente y, en mi opinión, este es su punto fuerte.

Muchas veces mantener el hilo de una serie cuesta o simplemente da pereza. ¿Cuántas veces no os habéis acordado de lo sucedió en el capitulo anterior? Yo por lo menos muchas… con esto quiero decir que ‘Masters of Horror’ te anima a verla por el mero de hecho de que no necesitas saber nada más que lo que va a ocurrir en el capítulo que has seleccionado, que bien puede haber sido al azar.

Las dos temporadas de ‘Masters of Horror’ son una mezcla exquisita de suspense con toques de violencia, sexo y hasta humor en muchas ocasiones.  Zombis, vampiros, monstruos, psicópatas, payasos asesinos y un largo etcétera se vuelven reales en la pequeña pantalla. Además, la mayoría de capítulos hacen un guiño a películas de sus capítulos como, por ejemplo, en el quinto capítulo, protagonizado por Henry Thomas, Elliot, el niño de ET, su personaje tiene en la mesilla un ejemplar del libro ‘Deseperación’ de King, novela que Garris, director de este capítulo, adaptó al cine ese mismo año y contó con la participación de Thomas también.

‘Masters of Horror’ tomó como referencia a otras dos grandes series ‘The twilight zone’ e ‘Historias de la cripta’ y en 2008 fue sustituida por su gemela ‘Fear Itself’, que para mi flojea un poco más aunque sigue muy de cerca la línea de la serie de Garris. 

Aquí va el único capítulo de la serie que fue censurado. Un americano viaja a Japón en busca de una mujer por la que vive obsesionado y allí, en un prostíbulo conocerá a una mujer deforme que le contará las más horribles historias. El capítulo, de la mano del director Takashi Miike, es bastante desagradable pero muy recomendable.

The Black Donnellys y la mafia irlandesa

Una de las cosas que más rabia me da del mundo de la televisión es la cancelación de series, aunque sí está claro que si un tv show no alcanza los niveles de audiencia mínimos tienen que eliminarla de la parrilla de la Tv. ‘The Black Donnellys’ tuvo una vida fugaz, toda una pena.

La cadena estadounidense NBC emitió su primer capítulo el 26 de febrero de 2007, terminó el dos de abril del mismo año y los últimos capítulos se emitieron por Internet. Esta serie fue creada por Paul Haggis, el ganador del Oscar a mejor director y mejor guión original por ‘Crash’ en 2005, director del sublime largometraje ‘En el valle de Elah’ y guionista también de las aclamadas ‘Million dollar baby’ y ‘Banderas de nuestro padres’, y quien se caracteriza por recrear de una manera muy humana la realidad.

La serie trata sobre cómo los hermanos Donnelly (Jimmy, Tommy, Kevin y Sean) dan sus primeros pasos en el violento mundo del crimen irlandés. A pesar de ser completamente diferentes y tener aspiraciones completamente contrarias, se dan cuenta de que sus caminos siempre estarán unidos.

Aunque el guión, así a simple vista, no tiene mucho misterio (peleas, robos, problemas y ajustes de cuentas en un barrio pequeño de una ciudad enorme), hay que mirar un poco más hondo y conseguir entender cómo y por qué se salvan entre ellos. Aunque bueno, la realidad es que siempre es Tommy el que tiene que sacarles las castañas de fuego. Jonathan Tucker realiza un buenísimo trabajo interpretando al hermano astuto, fuerte y sacrificado por el resto. Tiene una vida normal y unas ambiciones reales y alcanzables, pero tendrá que dejar todo eso de lado para salvar a sus hermanos  y amigos y asumir las consecuencias.  Vamos, que Tommy deja de ser el chico bueno que era al principio y se convierte en alguien bastante más despiadado, frío y que tiene que hará cualquier cosa por proteger a los suyos (cuando digo cualquier cosa me refiero a sangre).

En definitiva, más allá de las relaciones personales, esta serie recrea la realidad, siempre ficcionada, de las mafias del barrio de la gran manzana Hell´s Kitchen, en especial, entre irlandeses e italianos. El truco de la serie, aparte de la historia, es que cada capítulo comienza con Joey Ice-Cream, uno de los amigos de los Donnelly, en la cárcel y frente a los federales, que cuenta lo qué sucedió, cómo llegaron hasta ese punto y lo que todo ello supone de un modo un tanto cómico e irónico.

           "Tommy se convirtió en lo que nunca había querido ser, y tanto si era consciente como si no, acababa de tomar las riendas del barrio y tendría que defenderlo" 

Sorprendentemente el reparto de esta serie es ejemplar, cualquiera de los cuatro hermanos lo hace aún mejor que el anterior.  Yo solo conocía a Jonathan Tucker, el hermanísimo, de verle en películas como ‘Hostage’, ‘La matanza de Texas’, ‘Las ruinas’, ‘Pulse’ o ‘Verónica decide morir’ y la magnífica serie ‘Master of Horror’ (que será mi próxima entrada  porque se lo tiene bien merecido) y también a Olivia Wilde de series como ‘O.C.’ y ‘House’ o filmes como  ‘Alpha Dog’ y ‘Tron Legacy’, con la que yo creo que se ha dado a conocer realmente.

Vuelvo a repetir, una pena que no le dieran la oportunidad de tener una segunda temporada porque de verdad que creo que ésta podía haber sido la gran sucesora de ‘Los Soprano’.

Uno que dará que hablar

Darren Aronofsky, un neoyorquino de 42 años, está dispuesto a ser el hombre que revolucione el cine de Hollywood. Es un visionario que comenzó su carrera haciendo cortos, pero que en 1998 rodó su primer largometraje: Pi: Fe en el Caos. Tuvo un coste de 60.000 dólares, se hizo en blanco y negro y por desgracia pasó desapercibida. Aun así, a los amantes del séptimo arte, Aronofsky nos dejó un mensaje muy claro: aquí estoy y vengo a enseñaros otra forma de hacer y ver cine.

Dos años más tarde llegó la película que le catapultó: Requiem por un Sueño. Con una banda sonora espectacular compuesta por su amigo Clint Mansell, y un hilo argumental que a muchos aun sigue impactando (las devastadoras consecuencias que la droga tiene sobre un grupo de personas), el director se coronó y recibió un gran número de premios. Más tarde llego La Fuente de la Vida. De nuevo una historia preciosa llevada a la gran pantalla con un bajísimo presupuesto. Ahí pareció estancarse. Pero en 2008 Aronofsky volvió con Mickey Rourke y demostró que lo suyo no había hecho más que empezar. Aquel año estuvo a punto de llevarse el Oscar por El Luchador, y este 2011 casi hace lo propio con la obra maestra Cisne Negro. La Academia sabe cual es su nombre y todos sabemos que algún día el tío Oscar se irá con él a casa.

Hay quienes le critican porque dicen que a pesar de lo emotivo, espectacular y sorprendente de sus películas, la temática de todos sus trabajos siempre es la misma. La vida y la muerte. Yo soy de los que piensa que cada director tiene un estilo: Spielberg con la ciencia ficción, Scorsese con el cine gangster, Eastwood con los dramas humanos, Burton con su cine lúgubre... Pues bien, Darren sabe que lo suyo es llegar al público a través de los sentidos. Si por algo se caracterizan sus películas es por mostrar mediante planos innovadores una gran secuancia de imágenes y música que provoquen una sensación prácticamente indescriptible.

Ahora ha decidido tomarse un respiro, y por delante tiene pensados hacer varios proyectos unidos al cine más comercial que probablemente hable de superhéroes. Cine para ganar dinero pero que seguro llevará su sello. Yo desde luego no me las voy a perder. Y cuando vuelva a su género, ahí estaré esperándole. Porque es un genio.

Stone en DVD

La primera impresión que me llevé al ver esta película fue que algo no encajaba con respecto al trailer. No quiero decir que la película no me gustase, es más, creo que a diferencia del resto de la sala y con la excepción de mi querido amigo Arkaitz, fui el único al que le gustó. Sin embargo tengo que admitir que cuando me planté delante de la pantalla me esperaba algo muy diferente, no sé, un thriller de estos de cárceles en las que hay mentiras, negros mazados, abogados incompetentes, navajazos, tiros por doquier, corrupciones y una gran trama que no se suele descubrir hasta el final. Digo más, el reparto reforzaba mi tesis; ¡Robert de Niro, Edward Norton y Mila Jovovich! Y lo cierto es que se trata de un largometraje, no sé, psicológico con un drama humano de fondo, que aunque interesante, dista mucho de mi impresión principal. Pero por suerte, aunque fue una sorpresa... Para mí, fue grata.

Creo que hablar de `Stone´ es hablar de una película que requiere poner los seis sentidos en la pantalla. Cada conversación, cada plano, cada transición y cada mirada tenían su significado. Es muy cierto que el guión no es nada del otro jueves, de hecho es una trama de lo más sencilla, aburridilla incluso y algo pesada... Sin embargo creo firmemente que la esencia del film se encuentra en el grandísimo reparto con el que cuenta. Empezaré por Edward Norton, la esencia del largometraje. Es un actor muy muy polifacético, con un millón de registros y que rara vez defrauda en cualquiera de ellos. Aquí, una vez más, lo borda. Hace que su personaje sea real, busca provocar en el espectador un interés constante gracias a esa sonrisilla nerviosa que tiene y que no sabes si es el buenazo de la película o el hijo puta más grande con el que jamás te hayas encontrado. Mila Jovovich es espectacular. Hasta ahora sólo la habíamos visto en el papel de heroína matazombies y ceñidita en espectaculares e imposibles trajes de cuero rojo... Que no digo que esté mal, ¡pero aquí nos dejó ojipláticos! En `Stone´ se transforma en la lujuria. Se curra unas escenitas de sexo la amiga que hacen que más de uno deje volar su imaginación. Y además también ha dotado a su personaje de una personalidad inquietante que mantiene de principio a fin. ¿Y De Niro? Qué decir de él. Primero que es uno de los mejores actores que hay hoy en día, que tiene carisma, que engancha, que sabe interpretar... yo que sé, sobran las palabras. Es tan sencillo como decir que si este personaje lo hubiese hecho otro actor, hubiese sido infumable. ¡Pero! Si tengo que hacer de abogado del diablo puedo decir que este papel le venía como anillo al dedo a Robert... Un hombre, mayor, atormentado por su pasado y a punto de jubilarse... Pues eso. Eso sí, y aquí es donde dejo mi firma: gracias Ricard Solans por ese doblaje tan maravilloso.

Como decía, el guión es el punto flaco. Si lo analizamos desde el punto de vista técnico, se puede decir que el desarrollo de la historia carece de tensión... Son dos horas en las que no pasa absolutamente nada. Realmente la historia termina igual que como empieza. Respuesta a esta carencia es la cara que se nos quedó a todo el público cuando terminó el film. Lo más destacable es ver como al principio de la peli, De Niro parece un hombre estable, con un trabajo fijo, mujer e hija y fiel asiduo a misa todos los domingos y por el contrario Norton es el claro ejemplo de hombre atormentado, sin futuro y con pocas o ninguna cosa clara en su vida. Sin embargo es muy interesante como cambian las cosas al final de la historia. Insisto por lo tanto, una vez más, en la importancia del trabajo de los actores principales.

La peli está dirigida por John Curram (`El Velo Pintado´) y como ya he dicho, los actores principales son De Niro, Norton y Jovovich. La historia está basada en la obra teatral escrita por Angus McLachlan en el año 2000. En resumidas cuentas, la historia habla de la vida de Jack Marby, un veterano oficial de libertad condicional, que lleva años tragándose explicaciones de presos en los que no tiene ninguna esperanza y mucho menos interés. A pocos días de su jubilación, Marby recibe el caso de Gerald Greeson (Stone), un preso que lleva varios años cumpliendo condena y que afirma estar totalmente rehabilitado. Su intención: salir de la cárcel. La trama de la película comienza cuando Stone hace que su atractiva y tal vez algo extraña mujer entre en juego y provoque que la relación entre Marby y Greeson pase a ser un poco más... estrecha.

En definitiva, ¿mi opinión? Es una peli que yo me alegro de haber visto, pero que no le recomendaría a nadie que tenga poca paciencia en una sala de cine. Es lenta, muy lenta, así que si sois de los que sólo vais al cine para ver tortazos, tíos carismáticos, tías buenorras y coches carísimos, y todo ello concentrado en escasa hora y media... No tiréis el dinero.

RANGO

Rango es otra película de animación, que descarta la teoría que dice que este tipo de filmes están hechos solo para los niños. No hay más que mirar en la trastienda para ver el gran equipo que ha creado esta entretenida y divertida película. Pero esto no es nuevo. Al simpático camaleón le anteceden otros títulos como Ratatouille, la recién oscarizada Toy Story 3 y por supuesto Up. Son largometrajes que, en principio, están enfocados a un público infantil, pero al final son los padres quienes salen encantados de la sala de cine. Josu Eguren tenía razón, estos films están dotados de una carga emotiva y un mensaje de fondo que lleva a la reflexión, pero además poseen la intensidad y el trabajo técnico de una película con actores reales. A veces incluso, mayor.

Como decía, el equipo hacedor de Rango es todo un lujo. Está dirigida por Gore Verbinski, director también de Piratas del Caribe, The Ring o The Mexican. Admitió que necesitaba relajarse un poco después de la última entrega de los piratas y es por eso que se embarcó en esta aventura animada. Fue su vía de escape. Junto a él, la prestigiosa empresa ILM (Industrial Light & Magic) fue la encargada de dar vida a los dibujos creados por David Shannon y John B. Carls. Hans Zimmer, el galardonado compositor alemán, le ha puesto la banda sonora. John Logan, y aquí vienen las palabras mayores, ha firmado el extraordinario guion este western animado. Logan, para quienes no lo sepan, fue el guionista del Gladiator de Scott y de El Aviador de Scorsese. Por su parte, Johnny Depp se encarga de ponerle voz al pequeño reptil. "Depp es sensacional -dice Verbinski-. Le presenté la idea de Rango durante el rodaje de Piratas del Caribe. Siempre le he considerado un lagarto, tiene el físico de ese animal. Este filme es la búsqueda de un tesoro, y qué mejor actor que Johnny para ir a encontrarlo". El reparto lo completan Isla Fisher, Billy Nighy, Alfred Molina y Abigail Breslin.

Para mí lo mejor de la película se encuentra, primero, en el terrible mensaje ecológico que guarda. El inmenso desierto del Mojave (Nevada, California, Utah y Arizona) está quedándose sin agua por el desmesurado derroche que la ciudad de Las Vegas hace día a día de este preciado bien. En torno a él gira toda la historia, solo que, los niños lo van a ver de una manera, y los adultos de otra. Por otro lado, hay varios guiños dignos de admirar. El mejor, sin duda, es la aparición del espíritu del desierto, reencarnado en la figura del mítico Clint Eastwood. Olé. Por otro lado, podemos apreciar otro destello que Verbinksi hace de Miedo y Asco en Las Vegas. Un pequeño guiño a otra película de Depp dirigida por Terry Gilliam.

La película trata de la búsqueda de identidad de un pequeño camaleón que siempre ha vivido en un terrario con la única compañía de su enorme imaginación. Un buen día el bicho se ve abandonado en pleno desierto y debe buscar un lugar un lugar en el que iniciar su nueva vida. Este lugar será un pueblo llamado Dirt (polvo). La gente del pueblo, animales de todo tipo, están empezando a vender sus propiedades para emigrar a tierras en las que haya agua, pues las reservas se están acabando por razones que todos desconocen. Es entonces cuando Rango se creará una nueva identidad para ganarse el afecto de todos los pueblerinos y será entonces cuando comience una aventura que le llevará hasta el fondo del misterio de la desaparición del H2O. Por supuesto también hay una chica, Haba, una valiente y pueblerina lagarto que formará equipo con el protagonista. A ellos se unirá un equipo formado por animales de lo más peculiar que intentarán devolverle al pueblo el espíritu del que siempre ha gozado.

Una de las cosas que más me ha sorprendido ha sido la buenísima calidad de los dibujos. Es impresionante el trabajo digital de la película. Por supuesto uno de los puntos fuertes son sus toques de humor. El grupo de lechuzas mariachis que siempre aparecen en los momentos más oportunos para cantar una canción que hable de la muerte del protagonista son desternillantes. Y otro detalle a resaltar es el papel de los malos de la película. Impresionantes, sobre todo Veneno Jack (alias "Ojos de Sauron"), una sanguinaria serpiente cascabel dotada de unos valores de lo más sorprendentes.

Como punto flaco podría decirse que la historia es bastante previsible. Quizá una mezcla entre Toy Story 3, en la que el villano se atufa desde el principio que es quien menos parece serlo, y Bichos, en la que el protagonista debe buscar una identidad que encaje con la de sus iguales. Pero lo dicho, una tontería, al fin y al cabo aquí ya casi todo está inventado y lo que cuenta es que en conjunto esta película es magnífica.


En fin, no quiero alargarme más. Creo sinceramente que ésta va a ser la mejor película animada del 2011, y si alguna consigue superarla, allí estaré yo para verla.

Rango, muy recomendable, no os la perdáis.

La Red Social: "Tiene una solicitud de amistad"

Hoy tocaba noche de peli y palomitas en el hogar. Al principio pensaba que no tenía nuevas películas en la memoria externa, pero para mi sorpresa, mi buen hermano ya se había descargado La Red Social, asique la he vuelto a ver por segunda vez.

El primer pensamiento que pasó por mi cabeza cuando supe que David Fincher iba a hacer esta película fue que si el director de películas de culto como Seven, El club de la lucha o El curioso caso de Benjamin Button iba a invertir su tiempo en crear un largometraje sobre los orígenes de Facebook, es porque esta red social es algo más de lo que aparenta.

En mi opinión, el filme no trata tanto sobre su creador Mark 

Zuckerberg, interpretado por Jesse Eisenberg, sino de cómo entender lo que es y lo que supone la ambición. Por eso creo Fincher no centró la atención del filme en saber quién es ese nerd, un tanto antisocial y extremadamente inteligente que se convierte en el multimillonario más joven de la historia, sino en el proceso de cómo Facebook se ha convertido en la plataforma que hoy cuenta con 500 millones de usuarios y en la lucha legal entre Zuckerberg y el co-creador de FB y ex amigo,  Eduardo Saverin. 

Si algo me ha gustado ha sido la forma de contar esta historia de amistad y codicia. Los flashbacks son siempre un recurso más que acertado. Consiguen que te metas absolutamente en la película. 

El trabajo de Jesse Eisenberg interpretando a Zuckerberg se merece, y aunque muchos digan lo contrario, una gran aplauso. Para mí ha cumplido todas las expectativas que tenía sobre cómo es realmente el creador de Facebook. Andre Garfield como Saverin no me termina de hacer gracia. Es como un pan sin sal. Por supuesto no tengo nada malo que decir de Justin Timberlake como Sean Parker, el creador de Napster. Sinceramente, Timberlake me ha sorprendido gratamente en cada una de las películas que ha hecho, como por ejemplo con su papel en Alpha Dog. Es una muestra de que algunos, pocos, cantantes pueden también actuar. Estoy muy segura de que una de las claves del éxito de La red social es su reparto.

Aunque puede haber momentos en los que puedes perderte entre tanta terminología de Internet y programación, los diálogos conllevan una criticas social bastante interesante. Otro punto más y este va para el guionista Aaron Sorkin.

El argumento está dosificado a la perfección a lo largo de los 120 minutos y el ritmo de filme no decae, aunque, quizá, el final sabe a poco a pesar de estar lleno de emoción. En definitiva, por la interpretación, por el guion y por todo lo bueno de esta película, que es mucho, un aplauso bien merecido.

127 Horas: Cada segundo cuenta

‘127 horas’ o lo que es lo mismo 93 minutos de lecciones de supervivencia.

El director inglés Danny Boyle, conocido ya de sobra por dirigir películas tan asombrosas como ‘Trainspotting’, ‘La Playa’ o ‘Slumdog Millionaire’, con la que ganó en 2008 la estatuilla al mejor director en los Oscar, los Globos de Oro y los premios BAFTA, ha realizado un buenísimo trabajo con su última película ‘127 horas’.

Cinco minutos son suficientes para saber a quién pertenece este filme. Como bien es sabido, los medios no lo son todo, sino que la historia es lo que importa. Esto es algo característico del señor Boyle, que una vez más nos enseña que una gran película no tiene por qué ser  una superproducción de Hollywood.

Suspense, ficción que roza el estilo documental, juegos de planos, un escenario y un protagonista es suficiente para dejarte sentado (o tumbado en el sofá) durante hora y media preguntándote “y ahora, ¿qué va a pasar?

Basada en una historia real, ‘127 horas’ cuenta la experiencia del alpinista estadounidense  Aron Ralston, quien tras sufrir un accidente en una de la montañas de Robbers Roost, Utah, quedó atrapado bajo una roca durante 5 días, hasta que se vio obligado a amputarse su propio brazo para poder escapar y sobrevivir.  

El transcurso de la película se puede imaginar. La lucha de uno mismo por sobrevivir y por lidiar con el pasado y el futuro. El largometraje gira en torno a Ralston, interpretado por James Franco,  conocido por  sus interpretaciones en ‘Come, reza, ama’;  ‘El valle de Elah’, ‘Un crimen americano’ y, por supuesto, por su papel de Harry Osborn, el duende verde en ‘Spiderman’.  Aún así, para mi gusto, éste ha sido, y con creces, el mejor papel que ha realizado hasta el momento.

‘127 horas’ ha contado este año con 6 candidaturas a los Oscar, aunque se fue con las manos vacías.  Franco fue nominado a mejor actor y, aunque esto no tiene porqué ser siempre representativo de un buen  trabajo, sinceramente pienso que, en esta ocasión, la nominación ha sido más que acertada ya que la interpretación de Franco es digna de admirar.

A pesar de que tenía mis dudas sobre este filme, hago, completamente convencida, una recomendación general de ‘127 horas’ a todo aquel que no se conforme con las simples producciones comerciales a las que nos tiene tan acostumbrados la maravillosa industria del cine. 

Las estrellas estrelladas

Por todos es sabido que hay estrellas de cine, televisión, música y otros ámbitos, que no llevan muy bien ese asunto de pasar a un segundo plano y ser relevadas por nuevas generaciones. Charlie Sheen es uno de ellos. El hijo del también conocido actor Martin Sheen, Charlie tuvo su momento de gloria en la época de los 80 cuando interpretó papeles en grandes superproducciones como Hot Shots o Wall Street, pero desde entonces, su adicción a la bebida, al juego y a las mujeres y, por qué no decirlo, su pésima capacidad interpretativa le han hecho arrastrarse por diferentes series hasta acabar como ha acabado.

"Tras cuidadosas consideraciones, Warner Bros. Televisión ha decidido prescindir de los servicios de Charlie Sheen en Dos hombres y medio con carácter inmediato". Este ha sido el anuncio que la productora americana ha hecho público para garantizar que el bueno de Charlie estaba, lo que se conoce comúnmente como, de patitas en la calle. Resulta que el actor era bastante exigente y sobre todo en lo que se refería a su sueldo. Para quienes no la conozcan, "Dos Hombres y Medio" es una serie de bajo coste que se emitía en Estados Unidos y también en España. Hace un par de meses, Chuck Lorre, el productor de dicha serie, decidió suspender el rodaje por el carácter de Charlie, y éste no tuvo mejor reacción que poner a parir a su ex jefe durante una entrevista en la radio. De ahí se han desencadenado una serie de catastróficas desdichas para el bueno de Sheen, ya que, tras este ataque verbal a Lorre, ha decidido demandar tanto a la CBS (emisora americana que emitía la serie) como a la Warner Bross (productora). El intérprete reclama daños punitivos por la suspensión de la producción, su cancelación y pérdida del salario estipulado. Además exige que se recompense al resto del reparto y del equipo de producción "por el balance de los 24 episodios de la temporada". Toda una joya vamos...

El problema es que éste no ha sido el primer altercado de Charlie Sheen y probablemente no será el último. Una vez más podemos observar el daño que produce la opulencia en aquellas personas que parecen no darse cuenta que todo tiene un principio y un final. Solo nos queda sentarnos y esperar a ver cual será la próxima.

Las voces de Hollywood

¿Alguna vez se os habíais dado cuenta de que Hannibal Lecter y y Obelix son la misma persona? ¿O que Angelina Jolie es hija de Morgan Freeman?  Cada vez que vamos al cine vemos a unos actores en pantalla que a veces nos gustan y otras veces no, pero casi nunca nos damos cuenta que existen otros actores y actrices cuyo trabajo consiste en ponerles voz a esas personas, para que nosotros podamos entender las películas extranjeras en castellano sin tener que aprender previamente el idioma.

El doblaje una profesión complicada que, como ya hemos explicado, consiste en poner la voz a los intérpretes de las películas que provienen de otros países y que, por lo tanto, no están rodadas en castellano. Las películas se doblan es estudios muy similares a aquellos en los que se graban los discos de música y los profesionales que ejercen este trabajo también son actores. "Para ser actores de doblaje lo principal es ser actor, sino no sirves para nada. A mí me han venido muchas personas diciendo que quieren ser actores porque tienen una voz bonita. La voz bonita no sirve para nada si uno no tiene conocimientos de interpretación" dice el actor Rogerio Hernández.

Por desgracia ésta es una profesión muy poco agradecida. De hecho, cuando un trabajo de doblaje está bien hecho es precisamente cuando no lo apreciamos en una película, al fin y al cabo el buen doblaje es aquel que nos hace creer que el actor americano está hablando en castellano. "Por el contrario- afirma Miguel Ángel Jenner- si hay algún fallo somos los primeros en ser criticados". Además es una profesión anónima, porque nunca llegamos a ponerles cara a los actores y actrices. Ellos hacen su trabajo y nosotros recordamos sus voces, pero no sus rostros.

Hay quienes reniegan del doblaje porque prefieren ver las películas en versión original, y eso está bien si se entiende el idioma de origen. "Aquellos que ven las películas en versión original con subtítulos solo para no oírlas dobladas, no se dan cuenta que por un lado se están enterando de la mitad de la historia, porque los subtítulos son una cuarta parte del diálogo, y por otro lado se están perdiendo la mayoría de los matices interpretativos porque están perdiendo el tiempo leyendo lo que pone debajo" comenta Hernández, y continúa: "El trabajo de los actores de doblaje es como el de los traductores de los libros, simplemente nos limitamos a traducir lo que dicen, solo que interpretando. Que nadie se piense que nosotros improvisamos o le damos matices diferentes a los personajes, no, ese trabajo ya lo ha hecho el actor que está en pantalla, nosotros nos limitamos a copiarle".

Por poner algunos ejemplos, Nuria Trifol es la actriz encargada de ponerles voz a Scarlett Johansson, Natalie Portman o Anne Hathaway. Luis Porcal es el desagradable y áspero doctor House. Camilo García es Anthony Hopkins, entre otros. Ricard Solans es Robert de Niro, Al Pacino, Silvester Stallone... Jordi Brau es el mítico Tom Hanks. Mercedes Montalá interpreta a Julia Roberts o a Diane Lane. Pepe Mediavilla es la voz inconfundible de Morgan Freeman, y su hija Nuria, dobla a Rachel Weisz, Angelina Jolie o Uma Thurman. Por su parte, Daniel García es el encargado de ponerle voz al actor más sexy de Hollywood: Brad Pitt, y Jordi Boixaderas, a quién podéis ver en la foto, es la voz habitual de Russell Crowe o Gerard Buttler.

Recomiendo sinceramente el documental Voces en Imágenes a todo aquel o aquella que quiera aprender un poco más sobre este interesante y desconocido oficio.


PINCHAR SOBRE EL EL NOMBRE PARA OÍR SUS VOCES:

Jordi Boixaderas (Rey Leónidas)

Graciela Molina y Luis Posada

Pepe Mediavilla

Jordi Brau

Antonio Esquivias y Eduardo Gutierrez

Manolo García y Ricard Solans

Joaquín Diaz

Miguel Ángel Jenner


DOBLAJE DE LOS SIMPSONS

Wall Street 2: La burbuja se deshincha

El miércoles se estrenó en DVD Wall Street: El dinero nunca duerme y ya que mis padres no la habían visto aún, decidimos hacerlo a pesar de mis reiteradas negativas.  

Sinceramente pienso que cuando un director decide hacer una secuela de una de sus películas más aclamadas, es o porque tiene una brillante idea o porque simplemente quiere aumentar sus ingresos. Y en este sentido, Wall Street 2, realizada 23 años después, se acerca más a lo segundo. El prestigioso, hasta ahora, director Oliver Stone se queda a medio camino en el intento, bastante pobre, de continuar una de las mejores películas de trasfondo económico de la historia.

Para mí, esta segunda entrega pierde el impacto, el cinismo y el espíritu crítico hacia el sistema económico de su antecesora. Parecen importar más esta vez las relaciones sentimentales entre los protagonistas y a la ética personal y profesional cuando la ambición está en el medio. Además, el gran tiburón de Wall Street y villano del cine de los 80 por excelencia, Gordon Gekko, pierde el fuelle y la fuerza propias de su anterior personaje. Aun así, lo que es innegable es la excelente realización del filme, a pesar de que tanta jerga financiera y bursátil pueda sonar a chino a más de uno.

La actuación de Michael Douglas como Gekko es aceptable aunque nada tiene que ver con la que le valió el Oscar a mejor actor en el 87. El tiburón parece que ahora tiene corazón y que el dinero y el poder ya no son lo único que le mueve. Gekko, con veinte años más, se ha vuelto blando y sensiblero. Su relación con Jacob Moore, interpretado por Shia LaBeouf, tampoco me ha terminado de cuajar. Creo que este actor se ha quedado atascado en Transformers y el papel protagonista le viene excesivamente grande. Lo mismo ocurre con Carey Mulligan, que tanto ella como su papel de Winnie Gekko resultan un tanto ñoños, insípidos e inexpresivos.

También tengo que admitir, que no todo es malo en este filme. Un punto a su favor, quizá para compensar la falta de fuerza, es el maravilloso cuidado por las escenas y los fantásticos giros y superposiciones de los planos. Resulta gracioso ver dibujado el índice del Dow Jones en las construcciones de Nueva York. A pesar del acierto del cameo del antiguo aprendiz, Charlie Sheen, y del propio Stone, la película está más que repleta de detalles sin sentido como absurdas metáforas, entre otras, la de unos niños jugando con burbujas de jabón que van a explotar; y lo que parece ser una “promoción de joyas”.

En definitiva, para mi gusto, la secuela de Wall Street es una película correcta, de guión aceptable y hasta entretenida, como tantas otras, si no se tiene en cuenta a su predecesora. Pero, si la tienes en mente, no le llega ni a la suela del zapato. La explicación de la situación económica actual se queda a medias y la trama se reduce a un melodrama basado en la venganza de un asustado Gekko y la reconciliación con su hija, para terminar con un final más que predecible.

Me da pena decirlo pero ha sido una pérdida de tiempo. Preferiría haberme quedado con el recuerdo de lo que un día fue Wall Street.

Grey's Anatomy

Llevo seis años y siete temporadas siguiendo los pasos de los cirujanos más emotivos de la televisión. Anatomía de Grey emitió su primer episodio el 27 de marzo de 2005 en la cadena ABC. Mentiría si dijera que vi el estreno de la serie, de acuerdo, pero poco más de dos meses después ya estaba enganchada gracias a nuestro queridísimo Internet, a la FOX y más tarde a Cuatro.

El extenso nudo de relaciones del Hospital Seattle Grace es interminable. Amor, trabajo, sexo y sobretodo amistad crean un clima perfecto para entender a las personas. Los líos personales y sentimentales están a la orden del día y de ahí es de dónde surge toda la trama de este Tv show.

De los residentes de la primera temporada tan solo quedan 3:  Meredith Grey, Cristina Yang y Alex Calev.  Me encanta la relación de Meredith y Cristina. Es la representación máxima de la amistad pura y verdadera. Son almas gemelas que se necesitan mutuamente para existir. Parte de los nuevos personajes son los también residentes Lexie Grey, Jackson Avery y April Kepner.

No puedo no mencionar a los doctores Webber, Shepherd , Sloan, Bailey, Torres, Robbins, Hunt y Altman, que, aunque algunos también sean nuevos, se han convertido desde el principio en personajes indispensables de la serie. Anatomía de Grey no es solo conocer a los residentes, sino a todo aquel que les rodea.

De todas formas, no es cuestión de ponerme a describir a cada uno de ellos, porque a quien haya visto la serie, poco le puede decir y a quien no la haya visto, no creo que le sirva de mucho.  Aunque eso sí, gracias a sus personalidades, la serie está repleta de emociones siempre con un toque de humor y sarcasmo.

Para mí, el secreto de esta serie son, a parte de lo reales que parecen los sentimientos, las historias y casos de cada capítulo. Cada operación, cada enfermo, cada familiar toca al espectador. Las situaciones presentadas a lo largo de estas siete temporadas no son ninguna descabelladas. Por supuesto que es ciencia ficción, pero cada capítulo tiene algo de real, de verdadero, que es lo que le hace ser una serie tan maravillosa.

Además, otro punto fuerte es la BSO de la serie que cuenta con una mezcla de diferentes estilos y artistas como, Snow Patrol, Tegan and Sara, The Fray, Ben Lee, Paolo Nutini, The postal service (su canción Such Great Heights  es mi tono de despertador). Todos ellos forman parte de mi librería musical preferida. Una curiosidad, cada capítulo de la serie lleva por nombre el titulo de una canción. Por ejemplo el capítulo 6x19 se llama “Sympathy for the parents”, título de una de las canciones de Marilyn Manson.

Suelen decir que Anatomía de Grey es una serie solo para chicas. Si, no voy a negar que me haga llorar ni que sea un melodrama en toda regla, pero sinceramente creo que es algo más que una simple serie y que hace despertar ese lado más sentimental y emocional que a veces tenemos dormido.   

Ayer me disfrace de Meredith Grey. Mis amigas eran la doctora Torres, Cristina Yang y la desparecida Izzie Stevens. Pijama de cirujano,  bata de quirófano, gorro, guantes, calzas y fonendoscopio en mano hacían el disfraz perfecto. Para mucha gente íbamos disfrazadas de enfermeras, aunque si hubieran prestado un poco más de atención y, claro, conocerían la serie, hubieran sabido quiénes éramos. Aun así, los que nos reconocieron eran casi todos chicos, asique para que luego digan que es una serie femenina.

(Tarjeta de presentación que formó ayer parte de nuestro disfraz) 

OSCARS 2011

Un año más se han dado cita los premios más importantes del universo cinematográfico, los Oscar. Y por lo tanto, un año más tendremos que oir, ver y leer lo bien que le quedaba ese Channel a Fulanita, lo largo que fue el discurso de Menganito, lo poco entretenida que fue la gala y el número de estatuillas que recibió cada película.

Desde el Kodak Theatre de la ciudad de Los Ángeles, James Franco y Anne Hathaway presentaron la 83º edición de los premios de la Academia. Todo el mundo asegura que fue una de las galas más aburridas que se han visto, y yo lo corroboro. Hasta este año, maestros de ceremonias como Billy Crystal, John Stewart, Woopy Goldberg o Hugh Jackman habían sorprendido a los asistentes y espectadores con diferentes aperturas, ya fuesen monólogos cargados de ironía, vídeos hechos con unos montajes divertidísimos, números musicales dignos de ser interpretados en cualquier musical o simplemente con un discurso recitado con cierto desparpajo, pero lo de la pasada noche fue algo insólito. James Franco parecía estar más pendiente de hacer que toda la gala fuese vista en Twitter, que en la ceremonia en sí. Me parece que en algún momento le vi sonreír, pero tampoco puedo asegurarlo. Menos mal que su guapísima y maravillosa compañera supo tirar del carro. Enhorabuena Anne.

Tan aburrida fue la ceremonia que todo el público recibió con una ovación enorme a Billy Crystal cuando este apareció en el escenario para entregar un premio. La gente estaba con ganas de reírse, de disfrutar. No querían asistir a un mero reparto de premios, querían sentir que estaban en los Oscar. Pero la gala no remontó en ningún momento. 

Yo, personalmente, siento mucha emoción cada año cuando llega esta fecha. Es algo que disfruto mucho viendo porque se premian los mejores largometrajes del año y todo ello envuelto en una nube de glamour que hace sentir envidia a cualquiera que lo esté viendo. Especialmente este año me ha parecido que todas y cada una de las películas nominadas tenían un nivel increíble, y por eso, fuese cual fuese la ganadora me iba a llevar una gran satisfacción. No voy a negar que mi corazón se decantaba por la sobrecogedora historia de la bailarina de Aronofsky, pero "La Red Social" parecía ser la elegida este año. Al final todo salió según lo que las quinielas habían vaticinado, exceptuando los premios más importantes. David Fincher se quedó, un año más, sin un merecidísimo Oscar (y ya van dos) y fue el joven Tom Hooper quien dio la campanada llevándose al calvo dorado a tierras británicas por "El Discurso del Rey". Y no fue el único, Collin Firth hizo lo propio en calidad de mejor interpretación masculina por la misma película. Por su parte, Natalie Portman fue la mejor actriz principal por el film que aquí comentamos (Cisne Negro), y Christian Bale y Melissa Leo fueron los mejores actores secundarios.

A partir de la derrota de "La Red Social", muchas personas han empezado a preguntarse si todo esto no es más que una farsa. Mi respuesta amigos, es sí. Cada año se decide premiar a unas películas en concreto, que normalmente tratan sobre una temática invariable: la superación humana. Eso, unido a una banda sonora que emocione y un mensaje de fondo que le haga a uno pensar son los requisitos fundamentales para que, al menos hoy en día, una película y su director se lleven la gloria. Yo no digo que esto esté mal, pero creo que los miembros de la Academia deberían darse cuenta que hay unos directores que merecen un reconocimiento por las obras de arte que han hecho durante años, como es David Fincher o Darren Aronofsky, y que no se trata de darle el premio siempre a la misma película, sino a la que más se lo merece. "El Discurso del Rey" goza de una interpretación espectacular, pero carece de emoción de inicio a fin. No sé, simplemente creo que no es justo.

Al menos puedo decir que me sentí muy satisfecho cuando Portman, a pesar de estar embarazada,subió a recoger su galardón por su magnífico papel en Black Swan. Esperemos que el año que viene, sea quien sea el conductor de la ceremonia, tenga un poco más de iniciativa y vuelva a retomar ese viejo espíritu que hacía de esa gala todo un espectáculo. Yo me ofrezco voluntario, aunque no sé si me llamarán. Por si acaso empezaré a perfeccionar mi inglés por si en algún momento tengo que pronunciar esas palabras tan conocidas que dicen: And the Oscar goes to...